Robert Burgess Aldrich[1] est né dans une famille fortunée. Il est le fils de Lora Elsie (née Lawson) issue d'une famille autrichienne de confession juive[2],[note 1] et de Edward Burgess Aldrich, patron de presse de Rhodes Island et personnalité politique du Parti républicain, par ailleurs, il est le neveu de John D. Rockefeller[3]. Après ses études secondaires à la Moses Brown School(en), de Providence, il suit des études de droit et d’économie à l'Université de Virginie[4],[5]. En 1941, il abandonne ses études universitaires avant d'obtenir son diplôme, car peu intéressé par une carrière dans la finance et en conflit avec sa famille à cause de ses sympathies pour les idées de la gauche américaine.
Carrière
Débuts dans le cinéma
En 1941, après son mariage avec Harriet Foster[6], il part pour Hollywood, et grâce à une recommandation de son oncle Winthrop W. Aldrich, dont le fils travaille à la RKO[7], il se fait embaucher par la RKO Pictures ; sa formation lui permet d’accéder à un poste à l'administration de la production. Son entrée dans le monde du cinéma est désapprouvée par sa famille qui le déshérite.
Pendant la Seconde Guerre mondiale, il est réformé pour des séquelles d'une blessure au genou. Le manque de main-d'œuvre à Hollywood lui permet d'accéder au poste de premier assistant réalisateur sur des courts métrages.
Cette première partie de carrière, riche en collaborations, lui permet d'acquérir un solide savoir-faire :
« Ce qu'on apprend à ne pas faire est aussi important que ce qu'on apprend à faire. On observe les maîtres dont Milestone, Losey, Wellman, Dassin, Reis et on apprend beaucoup… J'ai travaillé aussi avec de très mauvais réalisateurs que je ne nommerai pas, et dans ces cas, on se promet de ne pas faire les erreurs qu'ils font[11]. »
Ce film est remarqué par Burt Lancaster et Harold Hecht qui confient à Aldrich leur prochaine production Bronco Apache en 1954. Le personnage de Massaï interprété par Burt Lancaster est « le dernier Apache qui lutte au monde ». Bronco Apache est l'un des premiers films hollywoodiens à prendre fait et cause pour les Indiens[20], quatre ans après La Flèche brisée et La Porte du diable. Bien que la fin qui prévoyait la mort de Massaï ait été transformée en happy end sous la pression d'United Artists, le film est en rupture avec les Indiens renégats ou fiers guerriers d'Hollywood et Aldrich dira plus tard que son film « avait quinze ans d'avance sur son temps et prenait une position très ferme par rapport aux atroces injustices subies par les Indiens[21]. » Le film est particulièrement remarqué et remporte un grand succès public ce qui permet à Aldrich de rempiler sur la production suivante de Hecht-Hill-Lancaster, Vera Cruz[22].
Vera Cruz[23], qui sort quelques mois après Bronco Apache, est une production importante pour l'époque, d'un coût de trois millions de dollars, mais il est tourné dans une grande improvisation. Celle-ci sera plutôt profitable au film. Comme Bronco Apache, Vera Cruz marque une rupture dans l'histoire du western. C'est la première fois qu'on ose porter à l'écran des héros aussi crapuleux et violents, attirés par le seul appât du gain et étrangers à toute morale. Même si son personnage évolue positivement, Gary Cooper y incarne le rôle le plus noir de sa carrière[24]. Vera Cruz annonce le western des années 1960 : Les Sept Mercenaires, Pour une poignée de dollars et surtout La Horde sauvage. Le film remporte à nouveau un énorme succès, succès qui lui permet de créer sa compagnie de production[22], Aldrich est désormais perçu comme un cinéaste visionnaire. Il a toute liberté pour son film suivant qu'il auto-produit, En quatrième vitesse.
L'apocalyptique du film noir et les démêlés avec la Columbia
Ses trois premiers films noirs sont en rupture avec le genre, violences, dureté, meurtres en cascade sur fond de pessimisme, de cynisme, de désenchantement.
En quatrième vitesse[31],[32],[33],[34] est l'adaptation d'un roman policier de Mickey Spillane, de la série Mike Hammer, qu'il transforme en cauchemar apocalyptique nucléaire, le personnage du privé Mike Hammer est un antihéros opportuniste, misogyne, brutal, cynique, dénué de toute compassion sauf pour sa secrétaire Velda, ne cherchant nulle vérité mais cherchant surtout à se sauver d'une situation malencontreuse, traversant les bagarres et fusillades en gardant une tenue impeccable sous les yeux mi amusés, mi soucieux de Velda, tout cela sur un fond d’anxiété paranoïaque[35].
Le succès commercial d'En quatrième vitesse permet à Aldrich de monter sa société de production, Associates and Aldrich en 1955. La première production de la compagnie est Le Grand Couteau, adaptation d'une pièce à succès de Broadway écrite par Clifford Odets, à cette occasion, il dirige pour la première fois Jack Palance. Le film aborde le milieu du cinéma, et Aldrich en profite pour peindre le portrait d'un producteur qui endosse toutes les tares d'Hollywood et les bassesses de la nature humaine. Le personnage se veut une synthèse de Louis B. Mayer, Jack Warner et Harry Cohn. « Il est bien évident que Rod Steiger et moi, nous nous sommes amusés à en remettre un peu[37]. » le film est un échec commercial mais remporte le Lion d'argent de la Mostra de Venise.
En difficulté financière, Aldrich doit signer un contrat de deux ans pour la Columbia Pictures dirigée par Harry Cohn et tourne le mélodrame, Feuilles d'automne avec Joan Crawford. Feuilles d'automne est un mélodrame noir, qui porte un regard de compassion sur une femme, Millie, de cinquante ans solitaire, indépendante qui tombe sous le charme d'un trentenaire, Burt, qui s'avère avoir développé des troubles psychiatriques conséquences de traumatismes liés à sa participation aux combats de la guerre de Corée et d'avoir découvert à sa démobilisation que son père couchait avec son épouse. Millie arrive à convaincre Burt à suivre une psychothérapie dans un établissement spécialisé. C'est le premier film qui aborde ce qui sera appelé plus tard les troubles de stress post-traumatique (TSPT) et les bienfaits de la psychothérapie, film étonnamment optimiste qui sort du nihilisme des films précédents, puisque Burt guérit, l'amour de Millie et sa confiance en l'avenir gagnent[38]. Le public américain ne comprend pas le film, mais il est salué à la Berlinale où il remporte un Ours d'argent.
Pour la deuxième production d’Associates and Aldrich, Robert Aldrich réalise son premier film de guerre, Attaque, adaptation d'une pièce de théâtre Fragile Box par Norman A. Brooks[39], qu'il engagera comme scénariste. Pour le casting, il fait à nouveau appel à Jack Palance. Aldrich renoue avec son cinéma violent et sans concession. Il rompt avec les films de guerre qui font l'apologie de l'US Army se battant pour la démocratie, ou qui dénoncent la guerre comme une absurdité. Aldrich refuse de montrer le grand spectacle de la guerre, aucune scène de bataille épique. Ce qui intéresse Aldrich ce sont les hommes dans la guerre, et tout particulièrement la tension qui règne entre eux, leurs traumatismes. Il insiste également sur la lâcheté, le carriérisme d'officiers ne pensant qu'à leur médaille, leur incompétences, l’alcoolisme de certains, leur organisation de trafics internes. Il n'y a pas de héros mais des hommes ordinaires avec leurs vices et leurs vertus qui survivent comme ils peuvent aux épreuves de la guerre. Ce film, sortant des canons établis du genre, est l'un des rares films hollywoodien à n'avoir pas reçu le soutien technique et matériel de l'US Army.
Si le film est très mal accueilli aux États-Unis, en revanche, il est encensé en Europe où il remporte le prix de la critique à la Mostra de Venise 1956.
La corruption au sein des entreprises
Racket dans la couture (The Garment Jungle)[40],[41], deuxième de la Columbia, a pour sujet le monde de la corruption dans le milieu de la mode, du cynisme des grandes entreprises prêtes à tout pour assurer leur hégémonie, de l'influence du crime organisé sur les syndicats[42]. Ce film porte un regard pessimiste sur les luttes sociales minées par la corruption et la violence de la mafia, du monde de la mode identifié à une jungle sans foi ni loi, faite de compétition brutale, de lutte par la terreur. Refusant les consignes de la Columbia quant à la fin du film (happy end), il est congédié et c'est Vincent Sherman qui tournera la fin.
Après Attaque, les exigences de Robert Aldrich sont des provocations de trop, Harry Cohn, directeur de la Columbia Pictures, qui s'était sans doute reconnu dans le personnage du producteur du Le Grand Couteau (1957) licencie Robert Aldrich qu'il soupçonne en plus d'être sympathisant communiste. Rejeté par la Columbia et les autres majors de Hollywood qui ne le lui font plus confiance, Aldrich doit s'exiler en Europe à la fin des années 1950.
L'exil européen
À Berlin, il tourne pour la Hammer Film Productions et l'UFATout près de Satan, ce film a tout pour réussir, Robert Aldrich en a rédigé le scénario, la distribution est prestigieuse Jack Palance, Jeff Chandler et Martine Carol, mais le montage fait par la Hammer Film Productions et l'UFA est désastreux, c'est un échec, au grand dam de Robert Aldrich qui n'a pas eu son mot à dire. Il enchaîne avec Trahison à Athènes, produit par une succursale britannique de la Metro-Goldwyn-Mayer. Malgré la présence de Robert Mitchum et de Donald Wolfit, Trahison à Athènes ne peut se sauver d'un scénario plus que convenu[43]. Robert Aldrich rencontre de grandes difficultés pour diriger des équipes étrangères et polyglottes et à comprendre les critères des maisons de production européenne. Il retourne temporairement aux États-Unis pour tourner El Perdido écrit par Dalton Trumbo, produit et interprété par Kirk Douglas. Il apporte sa pierre à la production des péplums des années 1960, en réalisant avec Sergio Leone le film biblique Sodome et Gomorrhe. Ce film détonne dans la filmographie d'Aldrich, pourtant de sa bouche même n'affirme-t-il pas que : « Chaque réalisateur devrait avoir un film biblique à son actif, même s'il n'y a pas grand-chose à en tirer[44]. » Phrase paradoxale, en fait pour lui il s'agissait d'une étape pour voir s'il était capable de sortir de son style, de ne pas s'imiter[45]. Les critiques, très favorables à Aldrich, commencent à douter de son talent.
La MGM lui confie Les Douze Salopards en 1967. Il aborde à nouveau la violence dans la guerre, et surtout les exactions des militaires. Aucun des héros n'est sympathique et pourtant la plupart mourront en faisant leur devoir.
« J'ai essayé de dire dans ce contexte, que ce ne sont pas seulement les Allemands qui prennent prétexte de la guerre pour commettre des actions particulièrement atroces, et que les Américains et d'autres aussi agissent de même. La guerre est déshumanisante. Il n'y a pas de guerre propre. Quand quelqu'un est impliqué dans une guerre, il l'est bel et bien, point final[50]. »
Le succès du film permet à Aldrich d'acquérir ses propres studios. Il rachète les anciens studios de la Famous Players-Lasky construits en 1913.
Après ce succès, Aldrich revient à un sujet qui le fascine, Hollywood, dans Le Démon des femmes qu'il réalise pour la MGM et qui est une nouvelle description impitoyable des mœurs hollywoodiens. Le film est un échec et Aldrich tente de renflouer ses finances en reprenant les recettes de Qu'est-il arrivé à Baby Jane ? et Chut… chut, chère Charlotte avec Faut-il tuer Sister George ?(1968). Cette fois-ci l'action se déroule dans le milieu de la télévision et des séries, l'actrice June Buckridgean (interprétée par Beryl Reid) tient le rôle principal d'une série radiophonique "Applehurst", série valorisant les actions d'une infirmière, Sister George. Dans la vie réelle la personnalité de June Buckridgean est bien loin de Sister George, c'est une lesbienne violente, alcoolique et paranoïaque. Ses rapports avec la direction de la station radiophonique met en exergue les bassesses et intrigues du milieu de la radio. Le film suscite les indignations, mettre en scène une lesbienne, alcoolique et manipulatrice de surcroît, est intolérable en regard des codes moraux de l'époque. Certaines salles classent le film comme X[51], c'est la mort du film.
Aldrich, pour sauver son studio, entreprend un nouveau film de guerre, Trop tard pour les héros en 1970. Durant la guerre du Pacifique, une patrouille anglaise accompagnée d'un lieutenant américain se retrouve piégée derrière les lignes japonaises. C'est de nouveau le comportement des hommes qui intéresse Aldrich pour qui les actes héroïques ne sont que le fruit du hasard. Lâcheté et courage sont d'égales valeurs. La guerre est à nouveau décrite comme sale, cruelle et violente, à l'opposé des films hollywoodiens qui mettent en valeur héroïsme et courage. Comme les précédents films réalisés dans ses studios, le film est un échec commercial. Aldrich se tourne alors vers le film de gangsters, Pas d'orchidées pour miss Blandish (1971) dans lequel il peut donner libre cours à son goût pour les personnages violents, antipathiques, névrosés et psychopathes. L'année suivante, il retrouve Burt Lancaster dans Fureur apache et les thèmes développés dans Bronco Apache. Mais cette fois-ci Aldrich, à contre-courant des westerns pro-indiens radicaux et bien-pensants de l'époque, évoque la violence d'hommes en lutte pour leur survie. Le film est mal compris et accusé de racisme. Pourtant les scènes finales d'action, obligatoires dans le genre, montrent le chef apache Ulzana et cinq guerriers, maîtriser remarquablement le terrain montagneux, tuer leurs sept poursuivants blancs -parmi lesquels le héros Macintosh/ Burt Lancaster qui mourra lentement de ses blessures-, capturer la plupart de leurs chevaux. Seule l'intervention-surprise d'un huitième adversaire, Ke-Ny-Tay, tout à la fois éclaireur Apache de la cavalerie U.S. et beau-frère d'Ulzana, les met en déroute et fait disperser toutes leurs prises animales. Il avait auparavant poignardé un sixième guerrier éclaireur d'Ulzana qui venait d'éventer et de déjouer un piège tendu par le commandant aux six assaillants montagnards du groupe MacIntosh. Ulzana et un guerrier survivent malgré tout aux combats, indemnes, dans un rapport de force de six contre huit.
Aldrich doit se résoudre à vendre son studio. Il prévoyait d'y tourner de huit à seize films sur une période de cinq ans. En 1973, il n'en aura réalisé que cinq et produit qu'un seul (Qu'est-il arrivé à tante Alice ? de Lee H. Katzin). Aldrich conserve cependant sa société de production renommée en Aldrich Company. Cinéaste de l'affrontement, des corps à corps, Robert Aldrich va transposer ceux-ci dans le milieu des vagabonds de la Grande dépression avec L'Empereur du Nord (1973) avant de trouver dans le sport et Plein la gueule (1974) avec Burt Reynolds un sujet qui convient à son cinéma physique[5]. Il retrouve Burt Reynolds l'année suivante dans le polar noir, La Cité des dangers. Ces deux films sont des succès public, et Aldrich se voit confier par Lorimar Productions la réalisation de L'Ultimatum des trois mercenaires. Mais, charcuté au montage par la production, le film est un échec. Lorimar garde cependant sa confiance en Aldrich et produit Bande de flics qui est un nouvel échec. Le ton violent et grossier du film et des policiers est rejeté par la critique et les spectateurs. Pour retrouver le succès, Aldrich se lance dans l'humour juif, alors à la mode, qu'il transpose dans l'univers des westerns dans Le Rabbin au Far West (1979).
« C'est un mélange de sophistication et de brutalité, de musique et de hurlements, de chorégraphie et de coup de poings, de sang et de strass, d'élégance et de violence, dont la réussite peut être considérée comme une sorte de testament esthétique du cinéaste Robert Aldrich[53]. »
La fin
Après Deux Filles au tapis, Robert Aldrich, fatigué par la maladie, se retire du cinéma.
De l’union avec Harriet Foster, sont nés quatre enfants : Adell, William, Alida et Kelly. Leur fille Adell Aldrich[57] a fait carrière dans l'industrie du cinéma et leur fils William Aldrich[58] est producteur et acteur de cinéma.
1982 : lauréat du Prix Hochi Film mention "Best International Picture/ Meilleur film international" décerné par le journal nippon Hōchi Shinbun pour Deux Filles au tapis (…All the Marbles)
1952 : participation à la série China Smith, pour deux épisodes ("Straight Settlement" et "Shanghai Clipper")
1952/1953 : participation à la série The Doctor pour quatre épisodes ("Blackmail", "The Guest", "A Tale of Two Christmases", "Take the Odds")
1953/1954 : participation à la série Four Star Playhouse pour cinq épisodes ("The Squeeze", "The Witness", "The Hard Way", "The Gift", "The Bad Streak")
1959 : participation à la série Aventures dans les îles pour deux épisodes (La Perle noire/The Black Pearl et Safari en mer/ Safari at Sea)
Notes et références
Notes
↑Pour éviter tout malentendu, quant à la judaïté de Robert Aldrich, il faut lire attentivement l'incise : « Il est le fils de Lora Elsie (née Lawson) issue d'une famille autrichienne de confession juive. » Que signifie ce passage du point de la judaïté et non du judaïsme de Robert Aldrich ? Du point de vue de la Halakah (jurisprudence rabbinique) étant fils d'une juive il est juif ! Mais est-il un pratiquant juif certainement pas ! Il n'a jamais fréquenté la synagogue et il est probable qu'il n'a même pas été circoncis, mais nous trouvons ici l'ambivalence du mot "juif" qui désigne à la fois une appartenance à une communauté, un peuple et une pratique religieuse. S'il avait habité en Allemagne sous le régime nazi, il aurait été envoyé en camp comme tant d'autres Juifs laïcisés. Donc pour répondre aux questions légitimes, Aldrich était-il un juif au sens religieux du terme ? NON. Aldrich était-il un juif au sens de fils d'une juive, donc appartenant à un peuple ? OUI. D'où des contradictions dans les sources consultées, tout dépend de quel point de vue on aborde la judaïté de Robert Aldrich.
Cf. l'article « Juif » in Dictionnaire encyclopédique du judaïsme, éd. du Cerf, 1993, pages 608-610.
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